Textiles

Visita a “El arte de la indumentaria y la moda en México.”

Este jueves de diálogo lo hicimos acerca de cómo los mexicanos percibimos los textiles nacionales, el tema se nos ocurrió ya que fuimos a la exposición del palacio de cultura Banamex (Palacio de Iturbide) “El arte de la indumentaria y la moda en México.” Y esto fue lo que concluimos.

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¿Por qué tenemos que ir a una exposición en un museo para admirar la indumentaria nativa de México? ¿Por qué ahí se le da otro tipo de valor? ¿Por qué cuando vemos a los indígenas por la calle con sus ropas típicas no las vemos de la misma manera? ¿Sabemos cuánto trabajo lleva el realizar un textil, desde la recolección de las materias primas hasta la venta? Estas fueron algunas de las preguntas que nos surgieron al visitar dicha exposición.

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Durante nuestra visita nos pudimos percatar de que a la gente le encantan los textiles mexicanos, sus colores y detalles. Se sienten orgullosos de ellos y les llega a causar asombro lo lindos que son cuando se utilizan de una manera muy tradicional y completa. (Al decir completa nos referimos a que son exhibidos con los tocados y accesorios de la región a la que pertenecen.) Llegamos a la conclusión de que existe, en la mayoría de nosotros los mexicanos ese sentido de pertenencia hacia la cultura tradicional mexicana, que en la exhibición se ve reflejada principalmente en los textiles.

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Al estar observando y escuchando a la gente nos llega a ser muy curioso cómo que le público vea desde otra perspectiva el textil tradicional mexicano. Les agrada, lo observan detenidamente y quedan sorprendidos. Pero al llegar a comprar un textil mexicano que vieron expuesto en el museo, el cual fue tejido, brocado o bordado a mano, con materiales que fueron recolectados, tratados y teñidos también a mano, se sorprenden de que no haya tallas del mismo modelo, o de que no sea entallado y más aún se sorprenden del precio. Pensamos que esta reacción es por la falta de información ya que muchos mexicanos no entendemos todo lo que esa prenda trae de historia (técnica y cultural). En la mayoría de los textiles mexicanos podemos encontrar toda la iconografía y por lo tanto las creencias de una cultura. Una cultura que habita México desde antes de la llegada de los españoles.

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Como tienda de artesanías, una de nuestras principales creencias es compartir el conocimiento que vamos tenido al visitar al artesano o al hacer investigaciones de las creencias y costumbres de las culturas mexicanas. Este conocimiento lo compartimos con el público en general para que sepan que la pieza que están adquiriendo o que ven en las diferentes tiendas de artesanías no solamente se trata de un objeto decorativo o un textil. Esta pieza es el reflejo de miles de años y de generaciones que se han dedicado a pasar el conocimiento entre ellas.

Compartimos nuestras vivencias y conocimientos para que veamos a la artesanía como es: Algo maravilloso y fuera de lo común que representa una parte de nuestra identidad nacional.

Omáwari. ¡Celebrando los textiles mexicanos!

Calzada de los jinetes#17, Las Arboledas

Tlalnepantla de Baz, Estado de México

CP 54026

Tel. 53705893

omawari.artesanias@gmail.com

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Evolución

Focoltura evoluciona y cambia.

Este jueves de diálogo lo ocuparemos para hacerles un anuncio muy importante. ¡Focoltura cambia de nombre y logo!

El proyecto de Focoltura comenzó por el amor a México, la admiración de su riqueza cultura y el interés en apoyar a las personas que conservan esta riqueza. Para comenzar el proyecto tomamos como corazón lo que a nuestro parecer es una parte cultural muy importante de nuestro país, los artesanos y sus artesanías. No importa a que estado de la República vayas, siempre encontrarás una artesanía de la región, la cual tiene una historia, una técnica, un significado, una cara, unas manos y sin duda alguna sonrisas y corazón. Pero no solo quisimos apoyar a los artesanos, sino también a la otra parte creativa de México, ofreciendo espacio para exhibición y venta a los diseñadores y artistas plásticos en su mayoría nacionales.

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Después de darle muchas vueltas al proyecto, decidimos comenzar la comercialización de las artesanías mexicanas, del diseño mexicano y del arte mexicano en la parte Norte de la Zona Metropolitana de México, ya que es un lugar carente de espacios en donde puedes encontrar artesanía tradicional, diseño y arte de diferentes partes de la República Mexicana y de distintos artistas.  Así que en Calzada de los Jinetes #17 encontramos un espacio que se adaptaba a nuestras necesidades.

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Como todo proyecto Focoltura ha tenido sus altas y sus bajas, personas que entran a colaborar en nuestro equipo y personas que salen de este. Por este motivo al cumplir ya casi dos años de nuestra existencia hemos decidido evolucionar y dar un cambio radical de nombre e imagen. Llegamos a esta decisión porque nos gustaría mucho comunicar cierta identidad nacional en nuestro nombre e imagen, algo que refleje nuestras creencias y amor a nuestro país.  Así pues de ahora en adelante nos llamaremos Omáwari, el significado de esta palabra tarahumara quiere decir “celebración”.

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¿Qué celebramos en Omáwari? Todos los días celebramos la grandeza cultural de México, celebramos poder poner en manos de nuestros clientes piezas únicas con la seguridad de que esa pieza es el resultado de trabajo de generaciones, que esa artesanía que ha adquirido ha sido comercializada justamente, que el pago que se está realizando no solo ayuda a la tienda sino a los artesanos también. Celebramos que la gente al entrar a la tienda y ver las artesanías salga orgullosa de ser mexicana.  ¡Esto y más celebramos todos los días en Omáwari!

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Nuestro nuevo logo es una fusión entre el ojo de Dios, muy característico en los brocados Chiapanecos y la flor del peyote, bordado usado por los Huicholes. Retomamos estos dos iconos de culturas mexicanas ya que al estar buscando y estudiando sus significados nos parecieron que tenían mucha fuerza e identidad nacional.

Aunque hayamos cambiado nuestro nombre y logotipo, nuestro corazón y alma siguen siendo las mismas. ¡Ahora con confianza, podemos decirte que aquí en Omáwari, celebramos todos los días a México!

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Horarios

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Madera y concha de Abulón

Artesanía de “El Nith”

Esta publicación de jueves, lo dedicamos a una artesanía muy especial, que poco a poco ha empezado a desaparecer y que muchas veces no valoramos su historia, origen y proceso de elaboración. Estamos hablando de la artesanía de madera de enebro con incrustaciones de concha de abulón.

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Esta artesanía originaria del estado de Hidalgo, (para ser más precisos de la comunidad de “El Nith” a unos cuantos kilómetros de Ixmiquilpan) tiene varias versiones de su origen, una cuenta que los Otomíes elaboraban artesanías con fibra de maguey desde épocas prehispánicas. Con la llegada de los españoles, empezaron a elaborar cuerdas de guitarras y otros instrumentos que usaban los españoles con la misma fibra.

Posteriormente surgió la necesidad de arreglar guitarras, normalmente las reparaciones se hacían con hueso. Hasta que una persona incursionó agregando concha. De ahí derivó la artesanía de incrustaciones de concha como elemento decorativo. Pero no lo hacía toda la gente sino una familia, este conocimiento fue transmitido de generación en generación así por cuatro generaciones, con este pasar del tiempo la técnica se fue perfeccionando y evolucionando.

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La técnica original usa madera de enebro, con fondo negro el cual está hecho con huesos de animal. Dichos huesos se queman y combinan con agua y pegamento, haciendo una pasta en donde se incrustan las piezas ya cortadas de abulón. El abulón que es utilizado en esta artesanía es traído desde baja California.

El proceso a grandes rasgos es el siguiente:

  1. Con un patrón previamente cortado, se traza sobre la madera la figura que será cortada.
  2. El artesano selecciona la concha que mejor se adapta al tamaño y diseño de la pieza a realizar. Esta pieza se pule.
  3. Se cortan a mano las figuras que se incrustarán.
  4. Ya con el abulón pulido, el artesano continúa su labor y comienza a cortar las figuras que usará en la pieza en la que está trabajando. Las figuras normalmente son de flores y plantas.
  5. Se aplica la resina, si dicha resina es negra probablemente este hecha con huesos de animales que queman y pulverizan, posteriormente mezclan con agua y pegamento. Si es de otro color lo más probable es que sea de alguna resina sintética. Antes de que la resina se haga dura, el artesano incrusta las piezas de abulón previamente pulidas.
  6. Para finalizar, se pule la pieza hasta tener el acabado deseado y se barniza.

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A pesar de su larga historia, el trabajo de incrustación es un arte que nunca ha desaparecido en México. En tiempos modernos, el platero internacionalmente aclamado William Spratling combinó la concha de abulón con madera de rosa morada y ébano en algunas de sus elegantes joyas. Ayudemos difundiendo y consumiendo artesanías mexicanas, de esta manera contribuiremos a la preservación de nuestra cultura. El resultado es una bellísima artesanía elaborada a base de incrustaciones de concha de abulón sobre madera de enebro diseñando diversas figuras que van desde accesorios como pulseras, prendedores, aros y collares hasta espejos, alhajeros, llaveros, tableros de ajedrez y dominós, y las ya tradicionales y auténticas miniaturas de instrumentos musicales como guitarras, violines, arpas y pianos de cola.

Les compartimos este video.

 

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Textiles

El rebozo mexicano.

En esta publicación hablaremos un poco a cerca el rebozo y su historia.

En realidad no se sabe con certeza el origen del rebozo ya que pudo haber sido una prenda hindú importada por el galeón de Manila, o ser un derivado de la mantilla española o bien, la evolución del ayate indígena incorporado a la influencia de materiales, colorido y forma españolas de la conquista.

Se sabe que los indígenas mexicanos los usaban ya antes del arribo de los españoles, pero la palabra rebozo no aparece en la lengua hispana sino hasta el año 1562.

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Los rebozos que usaban las clases bajas eran de algodón, mientras que los de la alta, se combinaban con seda, listas de oro y plata y eran bordados con hilos de otros metales y colores, mismos que no satisfacían los gustos de las damas de la nobleza, que influenciadas por el barroquismo de la época, enriquecieron estas piezas con ricos bordados de paisajes y conmemoraciones de escenas costumbristas

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Esta prenda alcanzó tal importancia que en el siglo XVIII se dictaron leyes y reglas para la elaboración en cuanto al tamaño, tejido, clase de hilo y dibujo. Incluso se adoptó a la Virgen de las Angustias como la patrona de la reboceras (artesanas especializadas en la confección de rebozos).

Los centros reboceros más conocidos en México son, Santa María del Río, famoso por sus rebozos de seda; San Luis Potosí; Tenancingo, especialista en el rebozo de algodón fino y Tejupilco, ambos en el Estado de México; Zamora y Tangancícuaro, en Michoacán; Moroleón, Guanajuato y Chilapa, Guerrero.

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Actualmente las madres lo han estado retomando para cargar al bebé ya que se ha demostrado que tiene varios beneficios como:

Los cólicos disminuyen, ya que al ir vientre con vientre en una posición vertical, ayuda al sistema digestivo que aún es inmaduro.

El bebé se integra a la vida social: al ir a la altura de la madre en lugar de en la carriola a la altura de las rodillas, cualquier comunicación que tenga la madre también la tiene el bebé, lo que lo ayuda a ser más sociable.

Duermen mucho mejor: al ir siempre en contacto con la madre escuchan el latido de su corazón y su respiración, lo que les recuerda el vientre materno, están más tranquilos y se sienten seguros, lo que hace que duerman más tiempo.

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Focoltura, informando de la cultura mexicana.

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Fuentes:

https://es.wikipedia.org/wiki/Rebozo

http://www.oem.com.mx/esto/notas/n718237.htm

http://www.arts-history.mx/sitios/index.php?id_sitio=7041&id_seccion=2722&id_subseccion=574356

 

 

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México y su cerámica

Talavera poblana

En esta publicación hablaremos un poco de la Talavera poblana, de la cual solamente tocaremos el tema de la historia, ya que se tiene bien documentada esta artesanía.

La talavera poblana tiene su origen en las lozas de China. Las técnicas y diseños chinos fueron llevados a la península ibérica vía Mallorca (por este evento a la talavera también se le conocía como mayólica) por alfareros de la España musulmana a finales del siglo XII.

Entre los diversos centros españoles de industria cerámica se hizo especialmente popular el de Talavera de la Reina (Toledo, España), junto con Sevilla.

Su nombre proviene del origen de los primeros artesanos y por ser copia de la producida en Talavera de la Reina, España.

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En la época de la colonia, se inició la llegada de cerámica importada y el establecimiento de talleres de alfareros españoles. Puebla fue el principal centro productor de cerámica no sólo de la Nueva España sino del Nuevo Mundo. Un factor importante que ayudo al florecimiento de talleres de cerámica fue la localización estratégica de la ciudad de Puebla ya que se encuentra en un punto medio entre la Ciudad de México y Veracruz

La especialista Emma Yanes Rizo del Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH) logró determinar que en 1550 un pequeño grupo de artesanos provenientes de los talleres de Talavera de la Reina, Sevilla y Génova se establecieron en la Nueva España, en particular en Puebla.

“Los artesanos españoles aprovecharon el conocimiento prehispánico que tenían los pueblos indígenas en el manejo de las arcillas, y lo incorporaron a sus talleres junto con el propio personal europeo”.

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Unas de las primeras piezas que comenzaron a fabricarse fueron piezas de construcción como tuberías, ya que con el florecimiento de la ciudad de México, era importante poder llevar agua a los ciudadanos. También se fabricaban azulejos los cuales se utilizaban en las cocinas, fuentes y fachadas.

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En aquella época las familias más adineradas deseaban tener una vajilla fina europea, pero el viaje para traerla desde España era demasiado largo. Y si alguna pieza se llegaba a quebrar o romper, tardarían mucho tiempo en poder conseguir una pieza igual. Esto cambió y ayudo a que los talleres de Talavera pudieran comenzar a desarrollarse, dado que si alguna pieza de estas vajillas finas Europeas llegaba a romperse, las familias solicitaban una reposición a dichos talleres.

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Desde entonces el proceso de elaboración no ha cambiado mucho, los motivos, las formas y el decorado se han enriquecido con el tiempo. No obstante, en la actualidad surge nuevamente el interés por dar reconocimiento de autenticidad a los procesos de fabricación y reconocer las zonas donde se extraen las materias primas para su elaboración.

Te invitamos a disfrutar la artesanía mexicana tanto como nosotros.

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Fuentes:

http://www.talaveradelaluz.com/es/ontent/historia-de-la-talavera

https://es.wikipedia.org/wiki/Talavera_de_Puebla

http://inah.gob.mx/es/boletines/532-especialista-del-inah-recupera-100-anos-de-historia-de-la-talavera-poblana

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Xoloitzcuintle, un cánido muy mexicano

El Xoloitzcuintle

Esta entrada de jueves de diálogo se la dedicamos de una manera muy especial al Xoloitzcuintle, algunas veces admirado y otras tantas despreciado por su apariencia. Pero no por eso dejamos de sentir orgullo por esta raza 100% mexicana, con una gran historia, carácter y hermosura a su manera.

Su nombre proviene de la mitología mexica, Xólotl era el dios de la transformación, la oscuridad nocturna, lo desconocido y la muerte; era considerado el hermano gemelo y contraparte del dios Quetzalcóatl, la serpiente emplumada, quien representaba la vida, la luz y el conocimiento. Ambos dioses encarnaban un rostro antagónico del planeta Venus en su tránsito frente al Sol.

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Una de las leyendas importantes del dios Xólotl cuenta cómo, el dios prehispánico representado como hombre con cabeza de perro, representaba la cara nocturna de Venus al acompañar al sol en su trayecto por el inframundo. Tras el ocaso, el astro rey moría y luchaba con su ayuda para renacer al alba.

Algunas de las leyendas que acompañan a esta raza explican cómo el dios Xólotl le dio el xoloitzcuintle como regalo al hombre, después de haberlo fabricado de una astilla del Hueso de la Vida, el hueso del que toda vida fue creada. El dios Xólotl explicó al hombre que en vida tenía que cuidar muy bien de este perro ya que el día que su dueño muriera, el xoloitzcuintle lo guiaría atreves del Mictlan o lugar de muertos en náhuatl. Por lo que se les sacrificaba y enterraba junto con los muertos a los que debían guiar. Debido a esto, los mexicas lo consideraban sagrado, y esta adoración se manifestaba en muchas representaciones esculturales y pictográficas.

“Se dice que aquel perro que se depositara en una tumba, debía ser completamente negro, porque si presentaba manchas en su cuerpo esto quería decir que ya habían servido al alma de otro difunto.”

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Esta es una raza muy antigua, originada según algunos cálculos, hace más de tres mil quinientos años.

El xoloitzcuintle estuvo al borde de la extinción durante la colonización europea, por un lado, debido a que los conquistadores hallaron en él una fuente de alimento inmejorable como lo menciona Francisco Javier Clavijero al comentar que “los españoles los encontraron nutritivos y de buen sabor y después de la conquista a falta de otra carne los comieron hasta acabar con la especie” y por otro lado, porque se buscaba eliminar las tradiciones religiosas relacionadas a este animal. De esta forma, esta raza fue obligada a guarecerse en la sierra de Oaxaca y Guerrero, donde encontró refugio y sobrevivió durante cientos de años valiéndose de sus instintos.

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Afortunadamente entre los años 1930’s y 40’s hubieron personas interesadas en conservarlo vivo. Una figura importante en la participación del rescate de esta particular raza fue la Condesa Lascelles de Premio Real. Aunque ella era nacida en Canadá, siendo muy joven llegó a México y rápidamente se enamoró del mismo y de su cultura; era además amante de los perros, pues fue criadora de Poodle y Yorkshire Terrier. Sin embargo, el suceso que marcaría su vida y en el cual también participaron Katherine Walch y el entonces embajador británico en México, Norman P. Wright, fue cuando viajaron en la década de los años 50 del siglo pasado a la cuenca del río Balsas, con lafinalidad de obtener algunos ejemplares de la raza Xoloitzcuintle, empresa que algunos creyeron descabellada preguntándose: “de dónde van a sacar tantos xolos”.

Este cánido ha ganado popularidad gracias a la admiración y cariño de renombrados artistas mexicanos como Diego Rivera quien en varios murales pinto Xoloitzcuintles. Su esposa Frida Kahlo renombrada pintora reconocida internacionalmente pinto a su “Güera Chabela” una hembra Xolo. También tenemos obras de los pintores, el oaxaqueño Rufino Tamayo (1899 – 1991), el jaliciense Raúl Anguiano (1915 – 2006 ).

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En particular Dolores Olmedo Patiño siempre acompañada de “Nahual”, era un Xoloitzcuintle  con porte. El museo Dolores Olemdo ha dedicado parte de su historia a la preservación de la raza Xoloitzcuintle, debido al significado de su origen y a la importancia que tuvo para los pueblos prehispánicos.

El Xoloitzcuintle es definido como perro no agresivo, silencioso y tranquilo, alegre, alerta e inteligente, desconfiado con los extraños, buen guardián y excelente compañero que siempre busca el cariño y calor de su amo.

Ha ganado popularidad aunque no mucha dentro del territorio mexicano. Ahora se pueden encontrar criaderos en los que se especializan en el mejoramiento de la raza, de esta manera rescatando una parte muy pura de la cultura mexicana.

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Te invitamos visites la tienda y conozcas las artesanías que tenemos en relación a este hermoso y muy mexicano cánido.

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Fuentes: 
http://www.fcm.mx/razas/estandar-racial-xolo.html
https://es.wikipedia.org/wiki/Xoloitzcuintle
http://www.perrosdemexico.com.mx/especiales/xolo2/historia.html
http://www.eluniversaldf.mx/xochimilco/nota42220.html
http://www.ngenespanol.com/naturaleza/animales/14/01/22/xoloitzcuintle-perro-prehispanico/

 

 

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